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Emma Roberts y la despreocupada felicidad de una soltera en “Holidate”

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Una pareja ficticia para soportar las fiestas familiares. Eso se inventa Emma Roberts en “Holidate”, una comedia de Netflix que, según dijo la actriz a Efe, detrás de sus risas reflexiona sobre la presión social a las mujeres solteras y reivindica la felicidad más allá del amor romántico.

“Esta película te dice que puedes estar soltero, que puedes estar con amigos y que puedes enamorarte, pero que de lo que de verdad tratan los días festivos es del amor. Y no tiene por qué ser un amor romántico: puede ser amor a ti mismo, amor por tu familia, amor por la vida en general…”, explicó.

“O amor romántico si resulta que lo encuentras. Pero la película no dice que tengas que enamorarte para ser feliz. De hecho, mi personaje Sloan dice como: ‘¿Por qué todo el mundo tiene miedo a una mujer soltera y feliz?’ Ella va a lo suyo, a sus cosas, y si eso significa ir al centro comercial en pijama, a quién le importa”, aseguró.

Emma Roberts (Rhinebeck, EE.UU., 1991) forma junto al australiano Luke Bracey la dupla protagonista de “Holidate”, comedia que llegará a Netflix el miércoles bajo la dirección de un veterano de las risas en la pantalla como John Whitesell.

La cinta se centra en Sloan (Roberts), una joven que se está recuperando de su último desengaño amoroso y que también está hasta las narices de que su familia le insista constantemente en que encuentre de una vez a una pareja.

Así que con la “amenaza” de Acción de Gracias, Navidades o San Valentín en el horizonte, Sloan apuesta por un “holidate”, es decir, un hombre llamado Jackson (Bracey) que acudirá con ella a todas esas fiestas como si fuera su pareja pero al que no le une, en principio, ningún tipo de interés sexual o romántico.

Con un juego entre la amistad y el amor que puede recordar a otras comedias románticas desenfadadas como “Friends With Benefits” o “No Strings Attached” (ambas de 2011), “Holidate” cuenta con secundarios destacados como Frances Fisher o Kristin Chenoweth para ridiculizar de manera ligera y amable las relaciones de pareja.

En este sentido, Roberts, sobrina de Julia Roberts y una estrella de lo más popular entre los jóvenes (tiene 14,2 millones de seguidores en Instagram), detalló que al comienzo de la película Sloane está cansada de todo: “De las fiestas, de su familia, del amor…”.

“Y creo que mucho de eso no es solo porque le hayan hecho daño antes o porque no le parezca que va a encontrar a alguien: está intentando algo así como desplegar una actitud dura”, indicó.

“Pero luego, a lo largo de la película, ves que se hace patente su verdadero ser y creo que es un poco más extravagante y romántica que al principio, algo que fue muy divertido de interpretar”, añadió.

UN NUEVO “VIEJO AMIGO”

Tanto Roberts como su compañero de aventuras en “Holidate” Luke Bracey ensalzaron que la química instantánea entre ambos fue una de las claves para que esta comedia pudiera funcionar.

“Cuando Emma y yo nos conocimos fue como conocer a un viejo amigo”, defendió Bracey.

“Como si hubiéramos sido viejos amigos durante mucho tiempo. Y eso fue algo perfecto para la película porque Sloane y Jackson se conocen como amigos y tienen una honestidad real a quienes son, algo que es muy bonito. No se preocupan por el futuro o por lo que sea de esta amistad o relación: simplemente son ellos mismos sin disculparse”, describió.

Además de esa relación basada en la franqueza y la sinceridad, Bracey también llamó la atención sobre cómo una cinta como “Holidate” parodia y homenajea, al mismo tiempo, los clichés más trillados de las comedias y las escenas más conocidas de algunos clásicos románticos del cine como “Dirty Dancing” (1987).

“Creo que reírnos de las comedias románticas con esta película viene de nuestro amor por ellas”, señaló.

“Me encanta que ‘Holidate’ sea una comedia romántica sin complejos y que aun así tenga la habilidad de hacer chistes sobre cómo de ridículas son las comedias románticas (…). Es muy divertido interpretarla de esa manera y me encanta que una película sea consciente de sí misma”, afirmó.

EFE

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La cartelera de Cine de Cinemark en Arkadia vuelve desde el 26 de noviembre

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La cartelera de Cine de Cinemark en Arkadia vuelve desde el 26 de noviembre

Tras 8 meses sin operar por la pandemia, Cinemark reabre sus puertas este jueves 26 de noviembre en Arkadia Centro Comercial.

La cadena de cines destacó que operará con reducción de la capacidad de cada sala, amplitud del tiempo entre funciones para evitar conglomeraciones en la entrada y la salida, limpieza constante de espacios, renovación del aire de manera permanente y bloqueo de sillas para garantizar los 2 metros de distancia, entre otros.

La reapertura contará con el estreno de Nuevos Mutantes, Las Brujas, BTS-Break The Silence, Perros y gatos 3, Boonie Bears y Scooby.

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“Toy Story” cumple 25 años: un sueño que revolucionó el cine de animación

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Toy Story

Hace 25 años, unos intrépidos juguetes revolucionaban el cine de animación con “Toy Story”, el primer largometraje creado por computador; aunque este clásico de la cultura popular podría no haber visto la luz por las reticencias iniciales de Disney, en un principio contrarias a la visión de Pixar.

El 22 de noviembre de 1995 se estrenaba la película que daría un salto mortal en la historia del cine, pero la acrobacia audiovisual necesitó casi 15 años de desarrollo y el empeño de su director, John Lasseter, quien llegó a recibir un Óscar especial por los logros pioneros en el campo de la animación generada por computador.

Tiempo antes, en 1983, llegó a ser despedido de los estudios Disney por su interés en desarrollar proyectos basados en la informática que requerían elevados presupuestos para la época.

Pocos imaginaban que esa obsesión acabaría por inaugurar una de las sagas más exitosas de la gran pantalla, que elevó el estatus del cine animado y que evolucionaría en cuatro entregas, cada una más aclamada que la anterior.

LOS 15 AÑOS DE PRUEBA Y ERROR QUE LLEVARON A “TOY STORY”

Hasta entonces, lápiz, papel y borrador eran los únicos ingredientes para construir la magia en las cintas de dibujos animados, que habían alcanzado la cumbre del éxito con “The Lion King” en 1994 y “Pocahontas” en 1995″, pero también mostraban un estilo algo estancado.

Mientras Disney dominaba en la industria con sus maneras clásicas, otra compañía que nació como división informática de Lucasfilm, el estudio de George Lucas y “Star Wars”, llevaba años investigando la tecnología del arte por computador.

Su nombre era Pixar, y en ella trabajaba Lasseter, el animador expulsado de Disney.

La primera inspiración para “Toy Story” fue la película “Tor”, de 1982, un filme pionero en introducir la computación gráfica de manera destacada en su argumento y que fascinó tanto a Lasseter que tras verla propuso a Disney un proyecto 100 % informático.

Sin despertar entusiasmo pero viendo las posibilidades, la compañía permitió que el cineasta se dedicara a dar forma a esa idea, pero su presupuesto llegó a ser más costoso que el de una película de dibujos clásica y en el estudio no vieron su sentido.
Tras su salida de Disney, Lasseter fichó por la división de animación e informática de Lucasfilm, que un año después adquiriría un Steve Jobs desencantado con Apple, para crear Pixar.

Desde ese momento, el nuevo estudio lanzó una serie de cortometrajes y campañas publicitarias en las que perfeccionó la técnica hasta dar con “Tin Toy” en 1988, un cortometraje que ganó el Óscar a mejor corto de animación y que fue el germen de “Toy Story”.

Con más ambición, Lasseter volvió a llamar a Disney para ofrecer un largometraje, con la condición de que Pixar tuviera el control creativo. Al principio hubo rechazo de los primeros guiones por ser demasiado adultos, mientras la empresa de Steve Jobs atravesaba una situación financiera precaria.

Finalmente, tras idas y venidas, “Toy Story” se completó con 30 millones de dólares y un centenar de empleados. Nada comparado con los casi 800 trabajadores y 50 millones que requerían filmes como “The Lion King”.

UNA REVOLUCIÓN DE LA ANIMACIÓN CON GUIÑOS ADULTOS

Más allá de una proeza técnica, la película de Pixar supuso un salto enorme en el estilo, la profundidad y las temáticas de la animación.

“Toy Story” consiguió que el público pensara en el cine de dibujos como algo que no estaba únicamente dirigido a niños: el argumento contenía diferentes capas, desde la obvia a la más profunda, que introducían humor, ironía y guiños agudos.

Woody y Buzz Lightyear se convirtieron en héroes con sus personalidades torpes, complejas y llenas de crisis existenciales, que se apoyaban en un elenco de personajes perfectamente definidos y carismáticos como el tiranosaurio Rex, el perro Slinky o el matrimonio cara de papa.

Fue un estilo que marcó las señas de identidad de Pixar y elevó el estatus de las películas de dibujos.

“Monsters”, “Finding nemo”, “The Incredibles“, “Coco”, “Wall-E” y las oscarizadas tres continuaciones de “Toy Story” deben su empeño a unos cineastas que en cierto momento decidieron cumplir, a todo costo, con eso de “¡Hasta el infinito y más allá!”.

EFE

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“Lavaperros”, una reflexión de la violencia en Colombia desde la ironía

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Lavaperros

La película “Lavaperros”, una comedia negra en la que se hace una reflexión de la violencia desde la ironía, es la última obra del director colombiano Carlos Moreno que esta semana debutó en la edición 46 del Festival de Cine Iberoamericano de Huelva, tras la espera para su estreno por la pandemia.

Moreno dijo en una entrevista con Efe que prevé estrenar en el primer trimestre de 2021 este “thriller” mafioso, que opta al Colón de Oro en Huelva, en las salas de cine en Colombia y ya luego en otros países y eventos como el Festival de Cine de Cartagena, donde estaba programada su presentación antes de la cuarentena decretada por el coronavirus.

“Lavaperros” es la cuarta película del realizador de 52 años que debutó con el filme “Perro come perro” (2008) y que llevó a la pantalla grande “Todos tus muertos” (2011) y “¡Que viva la música!” (2014).

La película ya ha tenido exhibiciones desde la virtualidad como en el Festival de Lima, en Varsovia y ahora en Huelva, donde “han tenido una participación importante” sus dos primeras películas.

“Me hubiera encantado poder ir porque nunca he podido, siempre va otra persona. Pero bueno, la pandemia trastocó todo porque casi que toda la fuerza promocional de la película quedó represada”, dijo Moreno.

UNA PELÍCULA DE MAFIOSOS DE POCA MONTA

“Lavaperros” es un thriller que se desarrolla en Tuluá, un municipio del suroeste colombiano, en el que un pequeño grupo de mafiosos venidos a menos protagoniza una violenta cobranza de dineros y en el que un “traqueto” (como se conoce en Colombia a los narcotraficantes) muestra la decadencia de un excapo que vive entre las ínfulas de gran patrón y las deficiencias de un negocio que ya no es el mismo.

El filme presenta un tema reincidente en la filmografía de Moreno, que es contar historias “que se conectan en el mundo del hampa, en un mundo como sucio, de las entrañas de la ciudad, digamos como muy en la onda de escritores como Elmore Leonard”, explicó Moreno.

La narrativa de la película se enmarca “en la literatura Pulp, como de perdedores, de bandidos de poca monta, como de un universo sucio, de una moral difusa, con unos policías de dudosa reputación, todo ese mundillo que es muy fácil de acomodar a una sociedad como la nuestra”, agregó el cineasta colombiano.

La pretensión de Moreno con sus historias es “contar una historia en formato de thriller (…) películas poco épicas, de maleantes, personajes que en últimas son perdedores. En últimas casi que terminás burlándote del genero gangsteril porque son unos gangsters de pacotilla”.

El actor colombo mexicano Christian Tappan interpreta a Don Óscar, un narco que tiene a su mando a un grupo de “lavaperros”, miembros de organizaciones mafiosas que se ubican en la parte más baja de la jerarquía.

El elenco lo integran también Anderson Ballesteros, John Alex Toro, Isabela Licht y Ulises González.

TIEMPO PARA ESCRIBIR Y PREPARAR PROYECTOS

Moreno, que nació en la ciudad de Cali (suroeste) en 1968, ha aprovechado la pandemia de la covid-19 para desarrollar un proyecto con Alonso Torres, guionista con el que suele escribir.

Es un trabajo que “nos habían encargado, un proyecto, y esto nos dio el tiempo de acabarlo y entregarlo y quedar muy contentos por eso y por otro lado empezamos a avanzar en un guión que estamos trabajando pero eso ha sido más irregular”, contó.

“También estuve en el desarrollo de una serie que esta semana voy a ir a dirigir a Chile, entonces digamos que ha sido variable, pero ese ocio que supuestamente te ofrece una cuarentena, pues yo realmente incumplí con mi autopromesa de ver las películas que no había visto y de leer los libros que no había leído”, expresó.

CALI Y EL VALLE DEL CAUCA, “UNA SOCIEDAD QUE ALCANZO A INTUIR”

Moreno confiesa que el hecho de que su natal Cali y el departamento del Valle del Cauca sean el escenario recurrente de sus películas es algo intencional.

“Tengo que pensar que pareciera como una intención, creo que es un cruce entre la casualidad y la sinceridad porque es una sociedad que creo que alcanzo a intuir, no diría que la conozco, y creo que Cali ofrece algo que a mi me interesa mucho y son unas contradicciones que probablemente no haya visto en otros lugares del país”, contó.

La temática de la violencia que se repite constantemente en las historias narradas desde Colombia es “de alguna manera lo que es la sociedad, es un acto hipócrita decir que el cine colombiano solo habla de bandidos porque debería hablar más de eso, es que el narcotráfico ha sido la única revolución social que nosotros hemos tenido”, concluyó Moreno.

Carlos Andrés Valverde

EFE

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